Deftones : Diamond Eyes [review]

Elegido como uno de los 50 mejores discos según la NME de lo que va de 2010, el sexto disco de estudio de la banda originaria de Sacramento lleva publicado mas de 3 meses y sin duda se merece aquel lugar en aquella ecléctica lista. Personalmente creo que estará obligatoriamente dentro de los top ten, cuando aun faltan los discos que se lanzan en el otoño del hemisferio norte.

Vamos primero con el arte.
Sublime, aquella lechuza blanca de ojos profundos negros, con sus alas extendidas capturadas en pleno movimiento viene a rememorar aquellas pausas tan características en Deftones, en aquellos entrecortados riffs, a partir de un animal de formas delicadas y expresión misteriosa, relación con el titulo del disco quizás no la hay directamente, pero la fineza en la selección de aquella imagen precisa, creo simboliza perfectamente lo que el disco entrega y lo distingue por sobre los demás y viene a ser también  una feliz coincidencia  con otro de sus discos magistrales que también llevaba en su arte un animal (White Pony, 2000).

En lo musical el disco tiene como principal  protagonista a los riffs densos, que van variando su cadencia de manera progresiva en cada canción.

1. Diamond Eyes : el primer track nos trae un fraseo de Chino Moreno armónico, mientras los riffs que mencionábamos se conjugan con estrofas más melódicas, en un tema muy equilibrado que nos abre las puertas de este sexto disco. “time will see us realign, diamonds rain across the sky” una frase supongo que es para Chi, el tiempo, sin importar cuanto, los vera rearmarse, y la lluvia (la pena) se transformara en diamantes que iluminaran el cielo.

2. Royal : un poderoso riff lleva cada canción por una afinación que se mantiene en los primeros temas. Suaves gritos y fraseos melódicos marcan la pauta de una violencia controlada. Una guitarra que parece estar a punto de desatarse, da paso a tonos menos densos y un casi solo para volver a la densidad del riff que conduce a la canción en toda su duración.

3. CMND/CTRL : La base sigue siendo la misma, sin embargo son los detalles que van enriqueciendo cada tema. Acá el fraseo es interrumpido por los riffs en cada fin de frase, con un coro armonioso y estrofas gritadas, también la batería adquiere mayor protagonismo.

4. You’ve Seen the Butcher : Otro riff pegado, ahora solo comienza el tema, rasguñando repetidas veces hasta que los teclados, siempre ambientales de Frank Delgado aparecen junto a la batería y el bajo. Una voz aguda y lejana introduce al coro que es similar al fraseo de las estrofas, en un tono medio, pausado.

5. Beauty School : El disco va tomando cuerpo como tal, va creciendo mientras progresivamente pierde las guitarras densas y aparecen las melodías de conjunto. Con Chino Moreno siempre como líder y cada instrumento dando su mejor aporte este tema es casi un eje, es donde la transición se marca y aparece el estilo que podríamos definir como de “Diamond Eyes”

6. Prince: acá se rescata, y se nota, la base de un tema de ‘White Pony’ (“Rx Queen”), muy parecido al comienzo, hasta que arranca en un juego progresivo  muy interesante, sobre todo en el coro con el bajo emprendiendo ciertos cambios de tono realmente brillantes, una de mis favoritas del disco sobre todo en la parte del segundo coro, exactamente luego de “and you can’t stop now, rung by rung, almost out”.. brillante!

7. Rocket Skates: El primer single. Vuelven las guitarras fuertes y densas a tomarse los parlantes, con un Chino Moreno que se luce en cada frase, un manejo de cada línea, cada silaba y cada detalle realmente notable y un coro genial: “GUNS!! RAZORS!! KNIVES!!”

8. Sextape : Luego de la bomba de ‘Rocket Skates’, viene una calma, casi acústica. El otro lado de Deftones, ese que lo distingue por sobre el resto, ese que solo Chino y compañía pueden alcanzar con tanta elegancia. Esta canción es una isla, tranquila y apacible en medio de un mar de guitarras y riffs amenazantes. Aquella delicadeza sonora que la voz de Moreno nos regala, y que se transforma en un inesperado segundo single, cuyo video pueden disfrutar a continuación. La letra es también muy hermosa :

“Take me one more time,
Take me one more wave,
Take me for one last ride,
I’m out of my head,
Tonight.. Tonight.. Tonight”

 

Deftones - Sextape
Cargado por Warner-Music. - Explorar otros videos musicales.

9. Risk : Se vuelve al concepto inicial, riffs entrecortados sumados a atmosferas armónicas con un Moreno alcanzando un punto muy alto en interpretación vocal cuando dice “I’m confused some, but i think i can try”

10. 976-Evil : Otra lenta. “So I gaze” creo que acá Chino Moreno descubre un tono, o por lo menos lo descubre para nosotros . Realmente notable.

11. This Place Is Death : el titulo recuerda a uno de los capítulos de ‘Lost’. Musicalmente la canción le da un cierre redondo al disco, con un comienzo lento, el protagonismo del vocalista en un track dinámico y muy bien escogido para el final.

El crecimiento que ha tenido la banda desde ‘Adrenaline’ es realmente plausible. Este disco es y suena como el paso lógico donde tienen que estar y desde donde tienen que avanzar. Muchas bandas se pierden en el camino, que para Deftones no ha sido fácil, las peleas internas (y las reconciliaciones) fueron las que hicieron el disco anterior, y ahora, sin Chi, logran un disco que se destaca de sus contemporáneos y aleja a la banda de todos los estándares o etiquetas que la ligaban a cierto genero desde hace mas de 10 años.

Una banda que logra este tipo de discos, de tamaña seguridad en sus recursos, siempre va a estar entre nuestras favoritas. Es su sexto disco, no creo que muchas bandas siquiera lleguen a grabar un sexto disco y mucho menos de esta calidad. Si, me demore en escribir esto, pero creo que ya es hora de que se sitúe a Deftones en el lugar que se merece como una de las grandes bandas de rock de todos los tiempos.

 

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Divididos : Amapola del 66 [Reseña]

Esperamos, y esperamos, y esperamos.
8 años de silencio, que de cuando en vez se veían aliviados por los conciertos que dieron en el Estadio Víctor Jara, Teatro Teletón, Club Hípico y el ultimo en el Movistar Arena. Claro, porque como ellos mismo relatan, la grabación de un disco luego de terminar contrato con su antiguo sello no lo veían más como una obligación, sino como algo que tenia que llegar solo, y la espera entonces era solo el lapso natural que se dio para llegar a este trabajo: "Amapola del 66”

El titulo, según ellos cuentan nace de la unión de un concepto principal, ligado al año 1966, cuando Los Beatniks lanzan el primer sencillo de rock argentino cantado en español, la semilla que hizo surgir a un movimiento potentísimo, el más fuerte y documentado de Latinoamérica. Ese primer “florecimiento” es entonces la inspiración, aquella primera flor se metaforiza en una amapola, flor de amplios atributos, además de la belleza de su orgánica, tal como el disco.

En lo musical, es el primer disco con el joven baterista Catriel Ciavarella, quien habia audicionado a los 14 años para tocar en la banda, invitado por Mollo, pero en su lugar fue Diego Araujo quien tomo las baquetas, al retirarse este ultimo, 10 años después, era el turno de Catriel, un virtuoso y potente músico, que nos ha mostrado su calidad en vivo en variadas ocasiones. El disco fue grabado en el estudio que la banda armo en , llamado “La Calandria”, también con nuevo sello 300discos

El arte, es en una palabra: brillante.
Personalmente lo anduve buscando en disquerías de Santiago desde mediados de marzo, sin encontrarlo. Finalmente, a la tercera visita a The Knife, en el eurocentro, había llegado, y fue grata la sorpresa al encontrarme con la edición fuera de lo común que empacaba el disco y el dvd con el documental. Una caja oblonga, con los discos dispuestos uno al lado del otro, le dan el ancho al conjunto, donde en su interior viene el librillo con las imágenes y las letras. El disco caratulado como “CD1” y el dvd, en un juego de palabras con el nombre de la banda, como “DVD2”.

  

Empecemos por el disco, canción a canción:

01. Hombre en U
La habíamos visto en vivo en enero, el primer single, toda la potencia del rock eléctrico, el power trío en pleno, el regreso de la aplanadora del rocanrol, el solido bajo de Arnedo, la sicodélica guitarra de Mollo y la batería potente de Catriel. “Mientras vos puedas ser vos, no necesitas perdón, ni de dioses ni titanes” es el mensaje del tema, un análisis desde la lirica siempre musicalizada de la dupla, de como el hombre va cambiando, volviendo a donde partió, que es el concepto central del disco.

02. Buscando un Ángel
La guitarra semiacustica da una partida pausada a una canción potente, siguiendo enchufados, con una letra urbana, la búsqueda de la paz “alguien que pueda escucharte”, “una mujer, un angel, un amigo, que quiera pedalear conmigo”. El agobio de la ciudad, un grito de auxilio no escuchado, la experiencia de Mollo que encontró en Jujuy su ‘ángel’, su paz, sus hamacas en el corazón.

03. Mantecoso
Esta nace de una anécdota con un chofer, quien les alego por que los equipos que querían llevar hasta el estudio ´La Calandra´ era demasiado peso para su vehículo. Las molestias siempre ajenas a la creación artística, ejemplificadas en el ‘mantecoso’, fuente de una de las tantas angustias que se evitaron al irse del sello y al tener un estudio de grabación mas cómodo que les permitiera enfocarse solo en crear. Destacable el solo de Mollo, como siempre solido.

04. Muerto a Laburar
El concepto de los orígenes nuevamente, el muerto que se levanta a trabajar, el abuso de las disqueras para con los artistas que una vez que fallecen se vuelven más rentables y sobreexplotados. Michael Jackson, Sandro y tantos mas que se han ido “luz de oficinas por vos, se apago un camarín, ¡muerto a laburar!”

05. Amapola del 66
Las pulsaciones van lentamente bajando, nos encontramos en el quinto tema del disco con una semi-balada que le da titulo al disco, y, con aquella lirica siempre rebuscada y laberíntica de Mollo vienen a dejar un mensaje sobre este sonido del disco que no es nuevo ni pretende serlo “no es reedición, es redención” nos dice, la música ha vuelto, desde el ayer, el fruto de todo el camino recorrido es esta Amapola, que nace de la misma semilla de aquel primer disco, alimentados por aquel “rio de cuerdas” que ha forjado al rock argentino. Sin duda un tributo, de parte de una de las bandas más grandes del otro lado de la cordillera.

06. La Flor Azul
Compuesta por el padre de Diego Arnedo, Mario (en coautoría con Antonio Rodriguez Villar), esta chacarera corta la parte eléctrica del disco, con la cuota siempre presente de folklor en los discos de Divididos. Versionada por Mercedes Sosa en su oportunidad, es un homenaje tanto a la fallecida “Negra” y al padre de Diego, con quien el bajista dice tener una deuda pendiente por su influencia musical, y además por haber tributado tanto antes a Atahualpa Yupanqui. Aparece el único músico invitado Peteco Carbajal en el violín.

07. Senderos 
”Vivir, camino a seguir”, sigue con la dualidad de conceptos entre el encuentro de Mollo con la paz de Jujuy, el camino hacia allá y los senderos trazados por los padres del rock, senderos que ellos mismos han ayudado a construir “vengo de ayer, no soy ayer”. Finaliza con un recitado de Germán Walter “El Churqui” Choquevilca, que se enlaza con la siguiente canción.

08. Jujuy
Tilcara, desde hace años es el refugio espiritual de Ricardo Mollo, ubicado en la Provincia de Jujuy, es homenajeado en este disco como ya hemos dicho, a partir de diversas referencias que conducen a esta canción y derivan en una continuidad temática dual ya citada. Los ‘bosques de hormigón’ ya no están, solo “es aire y luz en Jujuy”

09. Caminando.
La misma frase en senderos parece ser la idea central de esta letra, acompañada por una bateria marchante, un gran solo de Mollo y el bajo siempre solido de Arnedo: “Vivir, camino a seguir”, la vida, con su infinidad de opciones nos va ofreciendo caminos, sorpresas, opciones, que solo las podemos descubrir.. caminando.

10. Boyar Nocturno.
Una reflexión en la noche, una decisión, un escape. Escapar de aquella ciudad llena de un “correr por todo, llegar por nada, correr más, más, más, correr sin amor”. La urbe y su frenetica carrera sin rumbo ahogan, entre ´tormentas de palomas´, el escape es la opción para poder recuperar la paz, la fe, la voz.

11. Avanzando Retroceden
Diego Arnedo saca un as de la manga, para mostrarnos su lado más intimo y sensible con esta balada, acompañado de su guitarra y el slide de Mollo. Una letra en un principio ligada a la anterior, en el tema de las carreras urbanas, pero esta vez de las automovilísticas y también el tema de los orígenes del rock. Ligado también con el ultimo track.

12. Perro Funk
La batería de Catriel, acompañada de los ladridos de este perro funk, nos despiertan luego del hermoso track anterior con una de las más potentes del disco, la stratocaster de Mollo y el bajo a lo John Paul Jones de Mollo recuerda a los clásicos de la banda, quizás es un tema rescatado de tiempos antiguos, pero que llega en un momento exacto para recordarnos de la esencia de la banda.

13. Todos.
Mollo lo habia anunciado, este disco iba a tener una canción referida a la Tragedia de Santa Fe, ocurrida el 8 de Octubre de 2006, que dejo al descubierto la escasa fiscalización de los viajes interurbanos, de estudiantes al interior del país. Una tragedia que, como muchas sirve para tomar conciencia de lo mal que se hacen las cosas y nos lleva a ser más responsables en nuestras acciones, nos trae esa “luz y dar conciencia”. 

En síntesis es un disco solido, notablemente creado, con la paciencia de un artesano, con la experiencia que dan 30 años de música. Tiene muy presente aun la densidad de “Vengo del Placard de Otro”, pero también tiene una especie de frescura-antigua, dada quizas por la misma seguridad en los medios, de consolidar un estilo, de llevar muy alto la bandera del rock y de trabajar con todo eso sobre la mesa. Divididos no viene a inventar nada, no lo necesita, solo se vale de sus herramientas para traernos siempre un rock solido y honesto, con aquella cuota de arraigo que pocas bandas del continente tienen, donde la imitación prolifera, donde los ritmos alternativos parecieran ser siempre la ultima moda, pero al final se diluyen con el pasar de los años. El rock de Divididos es inmortal, como lo es el buen rock, el de Zeppelin, los Who, Hendrix, y todos aquellos que se ven reflejados en este disco.

Punto aparte es el DVD, que registra el proceso de grabación, desde el montaje del estudio hasta la grabación de las ultimas canciones. En una hora y diez minutos, las imágenes se acompañan de una entrevista realizada por el periodista argentino Alfredo Rosso, donde por una parte estan Mollo y Arnedo juntos respondiendo acerca de la inspiración, el proceso, el estudio, y todo lo nuevo de este trabajo; y por otro lado se hacen entrevistas individuales a Catriel y su experiencia de grabar su primer disco con la banda, así como también al técnico Facundo Rodríguez. Un material imperdible, dan ganas que todos los discos viniesen con algo así para comprender mejor el proceso que lleva al producto final.

Un discazo por donde se le mire, desde su impecable edición (imprescindible y obligada para todo fan de la banda) hasta el ultimo acorde. Consíganlo, es una joya del 2010.

Actualizacion 18.04.10: El disco pueden encontrarlo en The Knife a $16.900, y en el galpón Victor Manuel del Persa Bio-Bio a $ 15.000

*Imágenes en vivo en Tilcara via amaliovilla.com

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Black Rebel Motorcycle Club : Beat the Devil’s Tattoo [review]

El quinto disco de estudio de la banda californiana ha salido a la venta esta semana en todo el mundo, aun cuando se había filtrado un par de semanas atrás en la web. Dentro de las particularidades de su grabación podemos acotar que es el primer disco oficial y con material inédito que lanzan a través de su sello Abstract Dragon, desde donde también vio la luz su DVD en vivo que en su oportunidad comentamos.  Es también el primer disco con la baterista Leah Shapiro, quien reemplaza definitivamente a Nick Jago, y a quien vimos tocar en vivo en el Teatro Caupolicán en octubre de 2008.

El disco fue grabado en The Basement Studio, en Philadelphia, donde también fue compuesto y grabado  “Howl”, su tercer disco, y tuvo en sus primeros reportes a la autopromoción como sus protagonistas, con Peter Hayes recorriendo las calles de Philadelphia dejando escondido un acertijo con el titulo del álbum, el cual estaba pintado con espray en un letrero sobre un callejón, y cuya promoción ha continuado de tal manera, llegando incluso a ser arrestado en Berlín por rayar las paredes.

  Foto promocional con la nueva formación.

Vamos track por track:

1. Beat The Devil's Tattoo
Una guitarra acústica, una batería marchante, unos aplausos y un lamento casi canuto evangélico acompañan las primeras frases de este disco, hasta que de pronto la poderosa guitarra irrumpe y le da mas fuerza a una canción solida y simple, con una letra inspirada en un cuento de Edgar Allan Poe, según cuentan los mismos integrantes en una entrevista publicada en Rebels. El tema que da titulo al disco termina quizás muy pronto para la energía que comienza a despegar, pero es solo el comienzo.

2. Conscience Killer
Si hubiera que definir esta canción, claramente el termino “rock de estadio” encajaría. Una canción hecha para los conciertos, para gritar, saltar y bailar ese pegajoso ‘uooooo-oooo, o-ooo-oo-o’ en plena cancha general. Al escuchar por primera vez el disco, siendo este el segundo track, prometía no dejarnos quietos, siendo un gran comienzo de disco con este par de canciones llenas de energía y aquel sucio rocanrol al que nos tienen ya acostumbrados.  Por instantes recuerda a los White, con ese minimalista y poderoso sonido distorsionado que te dice “no necesitamos conciencia en absoluto”.

3. Bad Blood
Luego de tamaña descarga, las revoluciones bajan hasta los momentos más pausados del disco homónimo, en una canción desgarradora en su letra, desilusión y perdida se pueden inferir de frases como “ tantos pedazos cayeron, solo llévalos de vuelta a tu corazón / tanta gente se alejo, solo déjalos que se desvanezcan en la oscuridad”. Un tema parejo, no muy sorprendente pero con un ritmo ya característico de la banda donde el mensaje es más importante de cualquier acrobacia instrumental.

4. War Machine
La oscuridad se va apoderando de las melodías distorsionadas, voces arrastradas y un bajo que te empuja hacia lo mas profundo. Sin coros, solo un fraseo pegado que desemboca en un oscuro paisaje sonoro que nos hace olvidar la energía y el desenfreno de los primeros temas. Se avizora un disco variado, donde cada track es un distinto despertar a través de un largo viaje.


5. Sweet Feeling
La acústica de ‘Howl’ (y sus Sessions) viene a estremecernos a través de este quinto track, con Hayes acompañado de su guitarra, melancólica y aun más estremecedora cuando la harmónica aparece para decirnos que, tal como en el disco, “los sentimientos dulces se han ido, nos movemos, pero no puedo ver, no puedo ver, no puedo ver nada”

6. Evol
Este es un track rescatado desde el primer demo de la banda, que algunos la teníamos dentro de las rarezas recopiladas. Encaja dentro del ‘espíritu’ del disco, casi en la medianía de sus tracks, quizás también un lado b de aquel primer disco homónimo, sobre todo por las letras referidas al desamor, en una versión mucho más limpia que la original (que habiamos subido pero la DMCA nos advirtio la sacaramos del post)


7. Mama Taught Me Better
La batería de Shapiro vuelve a dejarnos sin aliento en el séptimo track, ya sabíamos desde aquel único show en Chile que su rendimiento con la banda era notable y aquella energía que puso a cada tema en aquella jornada se refleja en temas como este. Allan Poe se apodera de las letras “cuando tu duermes, la pesadilla se vuelve hacia ti / /..mi madre me enseño mejor que eso, no juegues con ángeles / si mi alma perdida pudiese ser devuelta, seria fatal”

8. River Styx
Un track que oímos inédito en el Caupolicán, que vuelve a descender hacia parajes más oscuros, musicalmente hablando, y desciende aun más letristicamente, hacia las aguas del rio Styx, descrito por Dante en ‘La Divina Comedia’ (bajo el nombre de Estigia) como la laguna donde yacían los irascibles, en el quinto circulo del infierno, donde “las almas  enceneganadas se golpeaban, no solo con las manos, sino con la cabeza, con el pecho, con los pies, arrancándose la carne a pedazos con los dientes” (Canto VII)

9. The Toll
Volvemos a la pausa y la tranquilidad, con una novedad, las voces femeninas como segundas voces de Levon Been, donde la harmónica nos rememora aquel intimo tercer disco inspirado en la obra de Allen Ginsberg. La voz femenina, presumimos que es de Leah Shapiro, quien le da un aire muy country a la canción. Una cuota acústica más en un disco que se va mostrando solido y confiado en sus recursos.

El trio en acción, en un show del 05 de marzo en Seattle (flickr @mariannesp)

10. Aya
Personalmente lo considero el mejor track del álbum, con nuevos recursos muy bien utilizados, un bajo muy pegado arrastrado, un fraseo pausado y voces casi de ultratumba. Creo nunca haber escuchado cantar así a Peter Hayes, en la segunda parte del coro, cantando “Aya, Aya.. we’re alone and there’s no room here anymore” con un desgarrador grito, un lamento en tono alto para luego volver a los bajos fraseos, y las voces de ultratumba. Una canción muy dinámica aun cuando es una de las más oscuras del disco.

11. Shadow's Keeper
La undécima canción del disco nos lleva nuevamente a los paisajes intermedios, sin altos ni bajos, con una melodía enmarcada dentro del ritmo tradicional de la banda, aquella batería sucia y marchante, con guitarras filosas y un bajo solido, finalizando con una ruptura del ritmo pegado en una corta improvisación y un sonido de aviones cayendo y una voz repitiendo “Catch on fire”

12. Long Way
“No te llores a ti mismo solo para sentirte como alguien que toca fondo” es la frase que nos devuelve a aquellos ´dylanescos´ paisajes, acompañados ahora por un piano y una suave batería, además del tímido bajo de Levon Been.

13. Half-State
Los 10 minutos que dura “Half-State” parecen volar al sumergirse en las atmosferas creadas para el ultimo track del disco. La ultima estación del viaje nos lleva por un paisaje variado y más claro que muchos de los ya visitados, nos deja en el lugar donde queríamos llegar y luego de conocer lugares familiares pero que tienen aquella frescura de siempre, aquella melancolía de siempre y aquella honestidad de siempre.

Existen 2 Bonus tracks, que aun no he escuchado:  “Annabel Lee” disponible sólo en la edición del disco fisicamente, el que esperamos conseguir pronto, y “1:51” disponible en exclusivo para iTunes en Estados Unidos, la que esperemos se filtre en algún momento. Se extraña también la inclusión de “Steal A Ride”, interpretada en el show en Santiago el 2008.

imagen via  flickr @audelising

En síntesis se puede hablar de un muy buen disco, que cumple las expectativas y nos entrega luego de 3 años esa cuota de rock que muchos extrañamos en “The Efects of 333”, aquella experiencia sonora casi indescriptible y poco recordable por la estructura inexistente de sus temas. Este disco podría ser perfectamente, como a muchos críticos les encanta decir, un gran resumen de lo que Black Rebel Motorcycle Club es como banda, como propuesta musical y como uno de los mejores exponentes del rock contemporáneo. Se ubica en un punto entre lo que fue aquel tributo folk-country llamado “Howl” y su posterior disco 2007 “Baby 81”, lo que demuestra que la banda, aun variando su baterista, puede sentirse cómoda dentro de ese espectro de estilos tan amplio que se conjugan en “Beat the Devil’s Tattoo”.

Tal como la estética de la banda, pocas veces se permiten los colores, solo el blanco y negro (Peter y Robert ?) son los tonos permitidos, con los contrastes que esa mezcla produce, los tonos medios, los grises, la luminosidad del blanco en las canciones alegres y enérgicas, y la elegancia del negro en las más oscuras.

Es uno de los primeros discos del 2010, que sin duda se posicionara dentro de los mejores por la sencilla razón de escuchar a una banda que no traiciona sus principios, que continua con el mismo espíritu de su disco debut hace 10 años y cuya energía y pasión por lo que hacen se transmite en cada acorde. Seria quizás exagerado llamar a BRMC como la esperanza del rocanrol, pero no creo que sea tan alejado a lo que de ellos se pueda esperar, sobre todo porque al escuchar este disco, se reafirma esa esperanza y se puede esperar a futuro que nos sigan entregando álbumes de la misma simpleza, calidad y honestidad como hasta ahora lo han hecho.

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Una curiosidad: en esta pagina hacen una reseña al lanzamiento haciendo link a uno de nuestros videos en YouTube, el primero que subimos :D, de BRMC en el show de Henry Rollins tocando ´Shuffle Your Feet´

Actualización: en The Knife de Eurocentro nos dijeron que el disco llegara en la semana del 15 al 21, a un precio de $ 11.900 pesos.

Actualzacion 11.03.10: En www.spin.com pueden ver el video del primer single de este disco, que lleva el mismo titulo que el album, directamente en este enlace

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Mis 7 : Mejores Discos del 2009

Se acerca fin de año y como fue costumbre en años anteriores en el “desaparecido” blog, corresponde hacer  un recuento con los discos más destacados del año. Personalmente considero que fue un año flojo, como paso el año pasado, donde “Death Magnetic” de  Metallica se consagro como ganador según los votos de los visitantes. Dentro de los discos aparecidos durante este 2009, se cuentan muchas decepciones y muy buenos discos también,

Al final quedan, dentro de esta selección de 7, aquellos discos que más tiempo quedan en tu reproductor, aquellos que más escuchas y que se vuelven clásicos dentro de tu colección.

1. Alice In Chains : Black Gives Way To Blue

El regreso del año. Esperado con ansias desde que se supo la noticia, dejo el nombre del grunge en lo más alto. Cantrell, Inez, Keaney y Duval le dieron vida al disco más solido del año, con grandes composiciones y con el que debe ser sin duda el tema del 2009 “Check My Brain”. Las guitarras poderosas, los momentos íntimos y oscuros de una de las mejores bandas de los recordados noventa vienen de vuelta desde el luto (black) que genero la partida de Layne Stayley para detenerse en la tristeza (blue) y continuar el camino. [ver reseña]

 
2. Porcupine Tree : The Incident

Steven Wilson, el genio tras Porcupine Tree es un personaje absolutamente destacado dentro de la escena musical actual, de aquellos personajes intocables de quienes en cada disco se espera que sea una nueva joya para nuestra colección, como Keenan y Jones en Tool, como Fripp en King Crimson o quizás Waters y Gilmour en Pink Floyd. “The Incident” es un trabajo realizado con la paciencia y precision de un relojero, refinado y lleno de momentos magistrales, que nos sugieren adentrarnos dentro del concepto del “incidente”.

 

 
3. The Gathering : The West Pole

Los holandeses tenían la difícil misión de reemplazar a la vocalista con quien llegaron a sus puntos más altos en su carrera musical: Anneke. Y no defraudaron, demostraron que la banda que había detrás de aquella gran voz tenia un peso enorme que no se vería afectado por la partida de uno de sus integrantes. La música se vuelve protagonista mientras Silje, la nueva vocalista, va tomando confianza. René Rutten se alza como uno de los grandes músicos actuales al tomar la batuta de su banda y no dejar que un golpe los derribe.

 

4. Heaven And Hell : The Devil You Know

El regreso de Black Sabbath, con la formación que dio origen al disco ‘Heaven And Hell’ a inicios de los 80 nos regala este gran trabajo donde Ronnie James Dio se luce como en sus mejores tiempos, acompañado de los siempre geniales riffs del maestro Tony Iommi.
Estuvieron visitando chile en mayo, donde demostraron su gran calidad y las grandes canciones que componen este trabajo, como “Bible Black”, “Double The Pain”, “Follow the Tears” y “Atom & Evil” .

5. Yeah Yeah Yeahs : It’s Blitz

“It´s Blitz” es un disco de aquellos que se disfrutan, que alegran, que estremecen por la abrumadora energía que derrochan. Bailable podría decirse, si uno tiene la tendencia a dicha practica, pero lo central y el motivo principal por el que entra en la lista es por aquella aura positiva y energética que entrega, ideal para animar los días a través de la voz de Karen O. “Zero” también es nominada a canción del año, con un comienzo suave y una explosión que te deja con el animo muy arriba.

 

6. Mastodon : Crack the Skye

Personalmente considero a la banda de Georgia como el ‘descubrimiento musical’ del 2009, a partir de referencias que no recuerdo, llegue a ellos y a este disco, donde me encontré con la grata sorpresa de escuchar a lo que podría llamarse “lo-que-dream-theater-pudo-haber-sido-y-nunca-quiso-ser” jajaja. No, hablando en serio, Mastodon suena tan fresco como clásico, con aquellos riffs metálicos, sabatticos, stoner y al mismo tiempo progresivos, se perfilan como una de las bandas del nuevo milenio y si continúan en la senda actual muchos rockeros llevaran orgullosos su nombre en sus poleras.

 

 

 7. Slayer : World Painted Blood

Ya lo habían hecho en su disco anterior “Christ Illusion” (2006), demostrándole al mundo que el poder de la banda se mantenía intocable, la agresividad y los acordes endemoniados vuelven a remecernos de nuestros asientos con sus liricas filosas y sus melodías oscuras. Slayer no pierde adeptos y se engrandece con los años, algo que no muchos pueden contar y que en los tiempos que corren se agradece que sigan pintando el mundo con sangre y metal !!.

 

Pueden descargar estos discos para luego comprarlos en este post en Taringa.

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Them Crooked Vultures : Them Crooked Vultures (review)

Mucho se esperaba del gran megagrupo del 2009. La expectación era gigantesca y finalmente, luego de un par de adelantos llego el primer disco de la banda. Lo primero que uno podría comentar, dado el interés es si el resultado final logro alcanzar o igualar lo que de estos 4 fantásticos se esperaba. Claramente esto siempre será un comentario subjetivo, pero por mi parte puedo decir que no supero mis expectativas, no siendo un disco malo, al contrario, pero tal cartel de integrantes hacia presumir un producto de la calidad que si tiene, pero de la originalidad que carece.

Tiene buenos momentos, grandes momentos y momentos planos. Esto quizás este dado por que la suma de los pesos específicos al final termino anulando a más de uno. La batuta parece ser de Josh Homme, quien se toma las voces y la mayoría de las composiciones parece sacada de rarezas de Queens Of The Stone Age. Dave Grohl se mantiene en la batería y no parece tener mayor influencia en los temas, se extraña que no tome las voces más allá de los coros, lo que al final termina con perjudicar al disco por el registro mas bien plano de Homme. Por su parte John Paul Jones, resalta por agregar aquellos elementos clásicos al disco, lo que se esperaba, pero también entrampado en el vértigo que le imprime Homme a cada tema, que viene a ser el gran merito del disco al mismo tiempo, un disco siempre arriba, energético, y cargado a las guitarras y la batería.

El análisis es casi imposible abordarlo de una perspectiva de ‘grupo nuevo’, tanto por el pasado de sus integrantes como por el resultado tan parecido a este. Porque digo que Homme parece haber tomado la batuta? Simplemente porque la curva decreciente, o la tendencia a la baja en sus discos con QOTSA, odiosa y comparativamente hablando, partiendo desde el gran “Rated R” hasta el ultimo “Era Vulgaris” sitúa a este disco precisamente en un lugar muy similar a este ultimo. No pasa lo mismo con Dave Grohl y  Foo Fighters que su ultimo trabajo era un avance respecto a los anteriores. Y Zeppelin, siempre sera Zeppelin, el aporte de Jones no se puede escalar o comparar, tomándose más como una colaboración de uno de los más grandes bajistas de la historia.

Vamos por tema:

1. No One Loves Me And Neither Do I : fue el primer adelanto si mal no recuerdo. Comienzo prometedor con un tema que parece arrancar algo flojo aunque con un acorde zeppeliano muy característico y un coro muy bien acompañado por la batería, casi como ensayando en el garage, pero de pronto toma un cambio de ritmo que augura un buen disco, poderoso y agresivo, denso, casi sabáttico, muy stoner. El mejor tema del disco solo por aquel cambio de ritmo y un muy buen final.

2. Mind Eraser, No Chaser: Buen tema también, mucho más movido, potente y con coros entre Grohl y Homme, un rasgeo de guitarra a los que el ex Kyuss nos tiene acostumbrados, una batería siguiendo el compas a toda maquina y Jones dándole el toque clásico.Termina con un inexplicable trompeteo a lo QOTSA, parece raro aquí, pero en general marca la repetición de recursos ya trillados.

3. New Fang: el primer single. La batería marca los ritmos que siguen las cuerdas, como single es una buena muestra de lo  que la banda puede dar, con Homme cantando más inspirado que en la mayoría de las canciones y una cadencia clásica en los acordes que señala la calidad de los integrantes. [video oficial]

4. Dead End Friends: tiene un aire a Eagles of Death Metal y su metal a lo Beach Boys, playero, juguetón y casi bailable. El doble coro a lo QOTSA y una estructura de canción bastante ortodoxa. Buen tema, otro de los puntos altos. [ver video en vivo]

5. Elephants: comienza muy clásica, con un riff muy zeppelin, pero el vértigo se apodera de los acordes borrando todo rastro para luego decaer en un fraseo que se apodera de la canción y la vuelve plana. [video corto de la grabacion en estudio]

6. Scumbag Blues: otro buen tema, con una energía que ya se toma el disco, como decía anteriormente, sin pausas, sin descansos te lleva por el camino del buen rock a cada instante.

7. Bandolers: un tema mas lento que el resto con algunas pinceladas de gran rock. Tiene el merito de aquellas composiciones de Homme que son pegajosas, de esas que se pueden silbar fácilmente por la calle.

8. Reptiles: un tema bajo, los momentos más oscuros del disco, canciones que pueden hasta pasar desapercibidas por su monotonía.

9. Interlude With Ludes: ídem al anterior. recursos mas que utilizados y la voz de Homme que no potencia una canción con tintes de un zeppelin clásico que quizás instrumental hubiese tomado más peso.

Them Crooked Vultures en pleno concierto (via @pitchfork) 

10. Warsaw Of The First Breath You Take After You Give Up: más experimentación, un jam que desde su titulo anuncia un producto no tradicional, por decirlo de alguna manera, vuelven las distorsiones y se palpa la comunión entre los integrantes, un tema libre y que por meritos e improvisación se destaca.

11. Caligulove: en estas canciones se repite lo que desde la medianía del tracklist se ve, un disco parejo, con poca sorpresa y canciones si bien bien armadas no quedaran guardadas dentro de las favoritas, puntos bajos dentro del primer disco de la banda que según han dicho, ya se prepara para el segundo.

12. Gunman: esta canción tiene una base casi bailable, en tono rockero lógicamente, muy interesante y muy contagiosa. Otro de los “sabores” variados que contiene el primer trabajo de esta superbanda, aunque a Homme no le agrade esa denominación.

13. Spinning In Daffodils: el final del disco no defrauda, se avizora una experimentación tímida. Comienza con un piano (coincidencia con el final del disco de AIC), de pronto  se detiene, algunos rasgidos y comienza una semimarcha muy pegada, arrastrada y oscura. Existe un quiebre al final que repite la improvisación y maestría mostrada en el track 10 que le da un termino notable al este trabajo homónimo.

En síntesis, no es un mal disco,  es mas que “escuchable”, pero no viene a ser el salvador del rocanrol como muchos pregonaban (o como se podria presumir en uno de sus demos) sino otro disco más de grandes músicos que se juntan, como también paso con Chickenfoot o tantos otros. Them Crooked Vultures queda en deuda, se extraño quizás un arreglo de afinación, algún sello distintivo que uno pueda decir “eso es them crooked vultures”, sin embargo esta ms cercano a la frase “eso parece QOTSA mezclado con zeppelin”. No es una mala suma, solo que el resultado es muy simple y poco elaborado. 2+2 resulto dar 3, cuando se esperaba que diera mínimo 5.

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Black Rebel Motorcycle Club : Live (DVD Review)

Para quienes tuvimos la fortuna de ver el show que entrego Black Rebel Motorcycle Club en nuestro país en octubre de 2008, y también para ellos que han seguido su discografía, habrán notado que existe un elemento que los identifica y los caracteriza dentro del actual estado del rock. Ser simples y directos, sin adornos, sin dobles lecturas, sin falsas pretensiones ni fuegos artificiales. Honestidad podríamos decir, y se agradece.

Es entonces lo primero que uno puede inferir en este, su primer DVD oficial (y no oficial que yo sepa) al mismo tiempo que su primer disco en vivo. Claro, porque “Live” aquel simple y directo nombre se compone de 3 discos: un DVD con los conciertos registrados en Dublin, Glasgow y Berlín, un DVD con material extra y un CD de audio con las mejores canciones de los shows nombrados. Lo adquirí durante la semana pasada en la tienda “The Knife” del Eurocentro, casi de casualidad me lo encontré en vitrina durante una visita al centro de Santiago. No lo pensé dos veces y lo compre, $16.900 para un material con 3 discos es un precio bastante aceptable, lo que también se agradece, en una banda que no tiene mucho arrastre en chile, lo que podría pensar que su material sea mas costoso. Lo mismo con el concierto del Caupolicán, cuyo precio fue de unas accesibles 12 lucas, y general.

Pues bien, vamos con la reseña, por parte:

Disco #1 : El DVD en Vivo
Simple y directo. Así arranca el DVD al insertarlo en el reproductor, sin sponsors, sin adornos, directo a un simple menú que nos da 2 opciones: ‘Reproducir todo’ o ‘Lista de Canciones’.
Escogemos la primera y luego de algunas tomas que insinúan el comienzo de un viaje estilo beatnik, adentrándose de a poco en un recinto se escucha el rugir de la audiencia mientras se muestran unas breves imágenes tras bambalinas, para luego comenzar con un beat de batería que da pie para “Berlin” aquel gran tema de ‘Baby 81’ que continua pegada, tal como en el disco a “Weapon of Choice”.
Las transiciones entre temas se repiten en un juego de luces, y se aprecian nítidamente cada uno de lo momentos que la banda entrega en sus presentaciones, aquellos cargados al rock and roll sucio, para saltar y empujar como “Heart And Soul”, “Six Barrel Shotgun”, “Stop” o el gran himno “Whatever Happened to My Rock n’ Roll”, y también aquellos íntimos momentos en canciones como “As Sure As the Sun” (notable momento, del primer disco de la banda) , “Mercy” y la singularmente épica “American X”.
Nota aparte para la canción “inédita” del DVD, un cover de una vieja canción del artista británico Ewan MacColl llamada “Dirty Old Town”, grabada originalmente en 1949.  La canción, versionada también por otros grupos como U2, Rod Stewart y Tom Waits entre otros, es coreada por todo el publico, lo que provoca el agradecimiento de Robert Been.
También una mención, sin querer entrar en más detalles para no arruinar sorpresas, para la ‘interesante’ versión de “Promise” y el inicio ‘a lo Sigur Rós’ de “All You Do Is Talk”.
Técnicamente el juego de cámaras acompaña muy acertadamente los ritmos de cada canción, la cantidad también es acertada así como el tono de los colores usados, estrictos blanco y negro, con toques de filtros en tono azul, luces rojas y tonos sepias.

Disco #2 : El DVD de extras
Que trae? En principio un menú igual de simple que el disco 1, pero con más elementos, entre los que están:
- 4 canciones extras en vivo en las mismas locaciones: “Need Some Air”,  “Stop”, “Ain’t No Easy Way” (con partida falsa incluida) y “Head Up High”.
- “Devil’s Waiting” en vivo en el Somerset House, en Londres el año 2007.
- El Making Of del video de “Weapon Of Choice”
- Las BBC Radio Sessions en Birmingham, registro visual de 3 canciones acusticas y una breve entrevista.
- “Rifles”, en vivo en el festival T in The Park, el 7 de julo de 2007, tocado por Robert Been con su guitarra al lado de la reja, tal como lo hizo en Santiago arriba de un taxi. Luego se le une Peter Hayes mientras lo fans extasiados corean y aplauden.
- “Feel It Now”, en una versión con improvisación lúdica incluida, durante la prueba de sonido en Dublin.
- “Howl Studio Sessions”, con 4 clips que muestran la grabación del tercer disco de la banda.
- El apocalíptico cortometraje musicalizado con aquel gran tema llamado “American X”.

Disco #3 : El CD de audio, en vivo
Notable sonido tiene el cd, potente y muy limpio.
Extraño es, en principio, observar que el orden de las canciones no es el mismo del DVD aun cuando sepamos que son menos tracks. Pero eso no molesta y le agrega un valor especial a la experiencia, la mezcla hace que no repitas al menos el orden de las canciones al ver el DVD que al oír el CD.
La elección de las canciones es correcta con “pegadas” muy buenas y el comienzo con uno de los grandes temas de su disco ‘Baby 81’ con “Weapon Of Choice” y aquel pegajoso coro “i won’t waste my love on a nation”, nos invita a recordar aquel único concierto casi familiar y a disfrutar de este rock and roll que nos cautiva con su melancólica energía. Las canciones se suceden con más rapidez que el DVD y eso le da una dinámica distinta, ideal para disfrutar recorriendo las calles de la ciudad.

Y el arte? 
Partiendo por la caja, es un muy buen empaque de los tres discos, se presume durable, caja plástica, envuelta en cartón con el arte que encabeza este articulo. Dentro cada CD en su lugar, el librillo y el sobrio blanco y negro con pequeños tintes rojos en el arte de cada disco.
El librillo, como suelen ser los que acompañan los discos en vivo, trae imágenes capturadas en aquella instancia, en los tonos ya mencionados, los rigurosos blanco y negro se turnan con algunos sepia en café y rojo, algunos tintes azulados en las fotos de la banda y sus integrantes individualmente.

 

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